CIBERARTIS

#Sustenido: Lucas Santanna interativo

2010-06-20T15:20:00.000-07:00

Lucas Santtana e a Seleção Natural vem se afirmando a cada ano no mutante cenário musical brasileiro. O cantor e compositor, que iniciou sua carreira tocando flauta com Gerônimo, logo veio a acompanhar grandes nomes da música nacional como Gilberto Gil, Caetano Veloso.

Lucas é de uma família importante no meio musical, seu pai, Roberto Santanna, produtor musical de peso, teve seu nome marcado na história da MPB por ter produzido diversos músicos brasileiros.

Poderíamos continuar a citar grandes feitos e/ou curiosidades da vida de Lucas Santtana, mas qual é, efetivamente a grande diferença desse artista da nova MPB, sobrinho de Tom Zé? O cantor foi, e continua sendo, um dos artistas pioneiros a exergar as novas plataformas tecnológicas como forma de aumentar o alcance de sua música. Lucas acreditou em uma mudança de mercado e se adaptou às novas ferramentas.

As inovações do artista são tão vaguardistas que talvez tenham dado novo significado ao ato de "transportar" a pessoa até o som, ele transformou a própria idéia de produção musical. Em seu site, além de ser possível baixar os seus 3 cds - EletroBenDodô (2000), Parada de Lucas (2003), 3 Sessions In a Green House (2006) e Sem Nostalgia (2009) - também está aberto um espaço para as remixagens feitas pelos fãs. Sattana contribui para a idéia de uma sociedade composta por produtores-usuários, já que todos poderiam, dessa forma, fazer os mesmos papéis indistintamente através de uma metamáquina, o computador.

Bem como um designer, no sentido "flusseriano" da palavra: aquele que tem a capacidade de olhar através do tempo em direção a eternidade, profeta, leitor do futuro, Lucas Santtana aposta numa mudança do paradigma musical e se posiciona na crista da onda, estando sempre à frente, seja nas composições - cada vez mais sintetizadas - ou na relação do público com sua obra.

Ouça:

Amor em Jacumã

Cira, Regina e Nana

#Ciberartis: Sites de Web Art

2010-06-19T18:40:00.000-07:00

Superbad é uma instalação virtual criada pelo americano Ben Benjamin em 1997. Feita inicialmente como página de teste das obras de Benjamin, o website expõe diversas imagens aleatórias, coloridas e excêntricas com efeitos (gifs, barras de scroll, profundidade de tela) nas quais é possível clicar em pontos da tela, navegar e observar as imagens. O site faz, entre as influências pop arte, digital e outras, menções à cultura popular japonesa, elemento que fazia parte do design inicial feito por benjamin.

Algumas páginas do Superbad:

Acesse o site aqui!

Outro site que segue o mesmo princípio de web art é o Jodi, criado pelo holandês Joan Heemskerk e pelo belga Dirk Paesmans. Em 1995, seu primeiro projeto e mais clássico, "http://wwwwwwwww.jodi.org/", consiste de textos aparentemente sem sentido que escondem dentro do seu código de HTML diagramas para construção de bombas de urânio e hidrogênio. Os dois web-artistas criaram ainda diversos outros sites que seguem o mesmo princípio, desconstruindo jogos (Wolfenstein, Quake, Max Payne), janelas de desktop, criando instalações virtuais a partir de erros de computador (404 File not Found), entre outros.

Algumas páginas do Jodi:

Acesse o Jodi aqui!

links relacionados:
http://en.wikipedia.org/wiki/Jodi
http://en.wikipedia.org/wiki/Superbad_(website)
http://pt.wikipedia.org/wiki/Web_arte
http://www.fabiofon.com/webartenobrasil/

Museu no espaço virtual ou espaço virtual do museu?

2010-06-08T03:03:00.000-07:00

Os museus - espaços voltados para a experiência estética a partir da presença física junto aos objetos artítiscos e para a preservação desses objetos enquanto patrimônio - tiveram que se adaptar de acordo com as necessidades da sociedade atual. A prova disso é a existência de "museus online" ou "museus virtuais".

O questionamento mais comum é se o contato sensorial entre o homem e o objeto não fica comprometido, já que a experiência não se dá presencialmente. O espaço do museu não é apenas um espaço físico que abriga esses objetos; é também um espaço dotado de aura, regido por uma certa norma de comportamento. Sem esse isolamento, sem essa aura projetada para favorecer e incentivar a experiência estética, como se dá essa contemplação em se tratando de um museu virtual?

A proposta do museu virtual, no entanto, não é a de substituir o museu tradicional. Ela funciona muito mais no sentido de ampliar o público que se interessa e que pode ter acesso a esses elementos culturais e artísticos. De forma que muitos museus já possuem suas galerias online, com parte do acervo que exibem em imagens de resolução e qualidade suficientes para que a pessoa consiga visualizar o objeto e contemplá-lo esteticamente.

Segundo Rute Muchacho, do Departamento de Ciências da Comunicação, Artes e Tecnologias da Informação da Universidade Lusófona de Humanidades e Tecnologias, em seu artigo sobre museus virtuais: "O museu da actualidade está a enfrentar um desafio constante e primordial: a comunicação com o seu público. O espaço fechado em si próprio, criado com o objectivo principal de preservar e salvaguardar um património, está a alterarse para ser capaz de transmitir um conceito e de possibilitar aos diversos públicos experiências sensíveis através da interligação com o objecto museal."

Um dos mais conhecidos nesse sentido é, com certeza, o MOCA, Museum of Computer Art, que no seu próprio site se define como "antes e acima de tudo um museu online, mas também uma galeria localizada no Brooklyn em NY". O museu virtual foi criado em 1993 pelos "computer artists" Don Archer e Bob Dodson para promover e divulgar a arte digital nas suas várias formas e manifestações.

Novamente segundo Rute Muchacho, "O museu, como importante meio de comunicação, tem de aproveitar todo este desenvolvimento comunicacional e tecnológico, no sentido de satisfazer as novas correntes da museologia que se debruçam cada vez mais sobre o papel do museu na sociedade actual. Os novos media e em particular a internet são um instrumento precioso no processo de comunicação entre o museu e o seu público. A sua utilização como complemento do espaço físico do museu vem facilitar a transmissão da mensagem pretendida e captar a atenção do visitante, possibilitando uma nova visão do objecto museológico."

Não se acredita, apesar de tudo e com razão, que o espaço dos museus virtuais, ou o espaço virtual dos museus venham a substituir o espaço físico, o museu tradicional. Surgem mais como uma continuação, um complemento, uma versão desse último, mas ainda assim, são nos parâmetros atuais, de fundamental importância para a difusão da cultura e da arte. Principalmente no que se trata de arte digital, que possui menos espaço nos museus tradicionais, por exemplo.

Leia mais sobre isso em: Museus virtuais: A importância da usabilidade na mediação entre o público e o objecto museológico, de Rute Muchacho.

Espaço TIM UFMG do Conhecimento

2010-06-07T15:36:00.000-07:00

(Espaço TIM UFMG do Conhecimento)

O Espaço TIM UFMG do Conhecimento é uma iniciativa do Governo de Minas, UFMG e TIM, inaugurado oficialmente no dia 17 de março de 2010, e aberto pela primeira vez para visitação do público no dia 23 de março. O espaço funciona como um museu interativo, com algumas obras inovadoras, como a fachada frontal digitalizada que projeta vídeos e imagens das exposições internas, atividades interativas controladas por softwares de computador e uma jukebox que troca de música a partir de mensagens de texto. No prédio de cinco andares, encontram-se salas com telescópios e um planetário com capacidade para 60 pessoas. A proposta é que o museu receba cerca de 100 mil visitantes por ano, promovendo oficinas, palestras e grupos de estudo, com internet wireless livre em todos os andares. A curadora do espaço e professora da Faculdade de Filosofia e Ciências Humanas (Fafich) da UFMG, Patrícia Kauark Leite, diz: ''As instalações interativas tornam o visitante ativo na relação com o conhecimento, de maneira que ele interaja com determinada interface multimídia e isso desperte o gosto pelo aprendizado''

(Fachada central com projeção)

Faça um passeio virtual pelo Espaço TIM UFMG do Conhecimento:

Fontes: http://www.jusbrasil.com.br/politica/4640171/inauguracao-do-espaco-tim-ufmg-do-conhecimento-sera-domingo

http://www.divirta-se.uai.com.br/html/sessao_23/2010/05/10/ficha_hit/id_sessao=23&id_noticia=23797/ficha_hit.shtml

#Ciberartis: Douglas Davis e a Arte Eletrônica II

2010-06-01T14:21:00.000-07:00

(Douglas Davis, Charlotte Mormoon e Nam June Paik)

O trabalho de Davis com interações entre as plataformas eletrônicas e elétricas com a realidade desenvolveu-se de forma equiparada ao surgimento das novas tecnologias, as quais Davis era sempre um dos primeiros a conhecer, e é claro, criar algo. Com o surgimento da internet e a sua expansão veloz pelo mundo, Davis inicia a criação de suas obras de arte dentro da web. As possibilidades de criar interações "de dentro para fora" cresceram enormemente com o crescimento de usuários da web.

(The World's First Collaborative Sentence, 1994)

O primeiro trabalho que trataremos aqui, que representa justamente o sentimento avantgarde de Davis diante da internet, é conhecido como uma das primeiras obras de arte feitas na internet, chamada "The World's First Collaborative Sentence". Em 1994, diante da explosão da World Wide Web, Davis, apoiado pela Galeria de Arte Lehman, parte da Universidade da Cidade de Nova York, cria uma obra que pretende destruir definitivamente o mito de que os meios eletrônicos são massificados. O trabalho era criar a primeira frase colaborativa do mundo, criando uma página na web e deixando que qualquer pessoa pudesse adicionar novas palavras à frase iniciada por Davis. Há apenas uma restrição: não é permitido colocar um ponto no fim da sua sentença, de forma que a frase apenas aumenta. Até hoje, mais de 200 mil frases já foram adicionadas, criando uma enorme página de palavras escritas por pessoas do mundo inteiro. Em suas próprias palavras, Davis diz em sua página de abertura de "The World's First Collaborative Sentence":

"The temporary author-artist of these lines and this work is Douglas Davis. In face he (cf. me) is facing you at this moment, from a moment in 1973 when he, that is, me, tried to focus the lens of his video camera directly on you, the viewer on the other side of the then-imperial TV screen. Well, we have broken that screen down many times then--"we" being the early video artists determined to destruct the big lie that TV was a "mass" one-way medium, you, impatient viewer who lusted for something better, and the inexorable roll of technological innovation, moving us finally into the digital era and THIS MEDIUM, the InterNet/Web, where you take over from me...."

"O autor-escritor temporário dessas linhas e desse trabalho é Douglas Davis. De fato ele, ou no caso eu, estou olhando você nesse momento, de um momento em 1973 em que ele, que no caso sou eu, tentou focar as lentes da sua câmera de vídeo diretamente em você, o espectador do outro lado, sentado na então imperial tela de TV. Bem, nós já quebramos essa tela por muitas vezes - "nós", sendo os primeiros video-artistas determinados a destrutir a grande mentira de que a TV era uma mídia massificada unidirecional, você, espectador impaciente que deseja algo melhor, e o inexorável surgimento de inovações tecnológicas, nos levando finalmente para a era digital e para ESSE MEIO, a Internet/Web, na qual você torna-se o responsável ao invés de mim..."

Após os seus mais de 15 anos de existência, hoje em dia todo o tipo de códigos, caricaturas, links e imagens foram inseridos na página, na tentativa de desviar-se da regra do ponto, o que torna o trabalho imageticamente diferentemente de quando iniciou-se, em 1994. O conceito, no entanto, de um espaço onde qualquer pessoa pode escrever o que bem lhe interesse, permanece intacto. Em 1995, o trabalho foi doado ao Museu de Arte Americana Whitney, onde permanece ativo e é modificado diariamente.

Clique aqui para entrar no site de The World's First Collaborative Sentence

Outros trabalhos em internet feitos por Davis ficaram conhecidos, como o Metabody ou The World's First Collaborative Visions of the Beautiful (1997), onde pessoas do mundo inteiro compartilham imagens do corpo humano, sejam pinturas, fotografias, desenhos, todo tipo de imagem. Milhares de imagens constam no arquivo do website, desde os mais explícitos aos mais artísticos. Há um texto de abertura que trata da questão do corpo no mundo atual, que pode ser visto aqui. E a sequência de experimentações entre 1997 e 2000 que deram origem à "Terrible Beauty", um complexo trabalho feito por Davis, que seria talvez a primeira experiência de um jogo virtual. A princípio, podemos dizer que Terrible Beauty é uma peça de teatro, pois consiste em um roteiro inicial, criado pelo próprio Douglas Davis, em parceria com Christine Walker e a platéia presente na primeira audição de Terrible Beauty. A platéia dá seguimento à história durante a própria duração da performance, que une web-casting, video e teatro, a partir de platéias conectadas em tempo real em diferentes cidades. As apresentações aconteceram no "Information Technology Center of New York", "Artspace" em Dublin - Irlanda, "The Lab" em San Francisco, e o "Transmediale" de Berlim. A idéia final de Davis era realizar uma performance em que as duas platéias assistissem-se frente a frente, simultaneamente. Davis, que prefere chamar sua obra de "jogo" ao invés de peça ou apresentação, explica como funcionaria essa performance:

Entre no site de Terrible Beauty!

Douglas Davis ensinou estudos de Mídia Avançada em mais de 25 universidades e Faculdades de Arte e serviu como consultor nesse campo para diversas corporações e instituições. Atualmente, Davis tem 5 livros publicados, Art and the Future(1973), ArtCulture: Essays on the Post-Modern (1977),The Museum Transformed (1991), The Five Myths of TV Power (or, Why the Medium is Not the Message), 1993. Davis já ganhous prêmios por seu trabalho na Fundação Rockefeller. Em 1966, Davis fundou em 1966, junto a outros artistas o "ThunderGulch", um grupo de arte digital colaborativo que discute as questões de direitos autorais para artistas digitais.

Davis não mantém atividades virtuais desde 2006, e sabe-se apenas que Davis reside em Nova York com suas três filhas.

Acesse o blog de Douglas Davis

Davis criou o primeiro blog do blogspot. Acesse aqui para conferir!

links relacionados:

http://artport.whitney.org/collection/index.shtml
http://netart2web.wordpress.com/2009/04/28/douglas-davis-worlds-first-collaborative-sentence/
http://web.archive.org/web/19991002222920/http://here.is/TERRIBLEBEAUTY
http://www.afsnitp.dk/udefra/1/dd/museum.html
http://artport.whitney.org/collection/davis/
http://netart2web.wordpress.com/2009/04/28/douglas-davis-worlds-first-collaborative-sentence/
http://www.medienkunstnetz.de/works/seven-thoughts/
http://en.wikipedia.org/wiki/Douglas_Davis_%28artist%29
http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte_eletr%C3%B4nica
http://1904.cc/timeline/tiki-index.php?page=Douglas+Davis

Prêmio Sérgio Mota

2010-06-01T03:10:00.000-07:00

O Prêmio Sérgio Mota é também uma homenagem ao ex-ministro brasileiro, que sempre enxergou a importância e a pluralidade das novas tecnologias e incentivou a cultura. Realizado desde 2000 e atualmente bienal, o prêmio é responsável por apontar e reconhecer o que tem sido feito no país com relação à criação artística em mídias eletrônicas e digitais; e uma tentativa de divulgar isso para um pública cada vez maior e mais interessado.

Sérgio Mota

Quando o engenheiro industrial por formação assume o Ministério das Comunicações em 1995, a área das telecomunicações sofria de grande atraso tecnológico e baixo investimento. Com isso, o País corria o risco de ficar de fora da evolução de um dos setores mais importantes do mundo contemporâneo. No entanto, em três anos, Sérgio pensou e pôs em prática uma revolução na área, elevando em muito o acesso da população a esses serviços, bem como trazendo para o Brasil um enorme volume de investimento em telecomunicações.

Instituto Sérgio Mota (ISM)

Fundado um ano após a sua morte e independente do Estado, o Instituto é um centro de projetos e debates com o intuito de atuação na sociedade civil, expressando o uso criativo das tecnologias e na difusão de inovações. Para isso – e o que é o diferencial do instituto – unem o uso das novas tecnologias das telecomunicações com o setor cultural e social, permitindo que essas tecnologias auxiliem o desenvolvimento da sociedade como um todo.

Prêmio Sérgio Mota

“Criado em 2000, é uma ação de fomento da criação artística brasileira em mídias eletrônicas e digitais. No Brasil e internacionalmente tem estabelecido parcerias com instituições como Museu Reina Sofia (Espanha) e o ZKM (Alemanha). O ISM também usa recursos da Internet, como o Blog, o canal de vídeos YouTube e o canal de imagens Flickr. Nesses canais on-line, são realizadas exposições virtuais, possibilitando que os trabalhos artísticos em mídias digitais alcance diferentes públicos.”

ISM

http://www.ism.org.br/ism/

Flickr: http://www.flickr.com/photos/psmotta

Youtube: http://www.youtube.com/premiosergiomotta?gl=BR&hl=pt

#Sustenido: La Musique Concrète

2010-05-26T20:28:00.000-07:00

Apesar da recente moda da música eletrônica - trance, house, electro, techno, progressiva, entre várias outras - a maioria dos baladeiros de plantão nunca ouviu falar sobre a música concreta (do francês "musique concrète"), um dos alicerces do movimento musical eletrônico.

Para apresentá-la, antes precisamos conhecer o seu criador: Pierre Schaffer. Nascido em agosto de 1910 na cidade de Nancy, França, iniciou sua carreira como engenheiro eletrotécnico, se tornando locutor de uma rádio parisiense no ano de 1936. Na Radiodiffusion Télévision Française, Shaffer encontrou o apoio que precisava para começar a desenvolver o que viria a ser tornar a música concreta.

Suas primeiras composições se baseavam na manipulação sonora por meio da variação da velocidade ou do sentido da leitura das gravações, sem musicalidade expressiva. O que mudaria após o seu encontro com Pierre Henry, compositor também francês; parceria que geraria a peça "Symphonie pour un homme seul", talvez o marco mais importante da música concreta.

Mas enfim, o que é a música concreta? Trata-se, basicamente, de uma técnica experimental de composição, evitando instrumentos tradicionais e os substituindo pelo som de objetos variados. O primeiro traço de seu surgimento se deu no Club d'Essai, fundado por Schaffer em 1951, mesmo ano do início de sua parceria com Henry. Lá, o músico teve a idéia do gênero: gravar "ruidos" para compor peças musicais. Apesar de seu quase anonimato, ela é fonte de inspiração para diversos ritmos musicais, "do rock progressivo à atual música eletrônica dos Dj's", segundo Arthur Nestrosvki, professor da PUC de São Paulo, em entrevista à Mundo Estranho.

A relativa simplicidade da música concreta e seu alcance são convites à sua criação. Dessa forma, o estilo se torna acessível, mesmo para quem não tem o instrumento. Basta a captação de som e a criatividade, já que tudo que você precisa está ao seu redor. Uma música de todos os sons.

No Brasil o artista que sustenta a bandeira da musique concrète é Hermeto Paschoal, fazendo-a bem aparente no seu álbum "Sereiarei", através dos vocais de porcos, perus, galinhas, patos, coelhos, criando uma música concreta com sotaque rural.

"Etude aux chemins de fer"

Musique Concrète

#Ciberartis: Douglas Davis e a Arte Eletrônica I

2010-05-24T12:52:00.001-07:00

A Arte Eletrônica consiste na utilização de meios eletrônicos para produzir obras interativas. Atualmente, o que denominamos Ciberarte, a arte que utiliza da informática e dos meios de comunicação para criação de obras interativas, é uma das principais formas de arte eletrônica. Foi nos anos 70, no entanto, que começaram a surgir as primeiras obras de arte em rede eletrônica. O americano Douglas Davis, que aparece na foto acima em uma de suas experimentações chamada 'Last 9 Minutes' de 1977, é um dos pioneiros na criação de arte em rede eletrônica, junto a Nam June Paik, Joseph Beuys e outros colaboradores de diversas partes do mundo. Sua primeira 'performance' aconteceu nos anos de 1971 e 1972, chamadas Electronic Hokkadim e posteriormente "Talk Out!", que consistiam em experiências interativas em tempo real de ligações de telefone na televisão, como os tele-tons modernos. Em 1971 oficialmente foi ao ar Electronic Hokkadim, produzido pela Corcoran Gallery, a emissora americana CBS e a afiliada WTOP-TV. O programa consistia em meia hora de entrevistas ao vivo com video-artistas, Eric Siegel, Bruce Nauman e Nam June Paik. Davis tinha a intenção de fazer uma série de ligações ao vivo, sendo um pioneiro na experiência de ouvir-se em tempo real pela televisão. Em 1972 Talk Out! vai ao ar, dessa vez transmitindo três horas de ligações interativas, com iniciativa do Everson Museum e da emissora WCNY-PBS.

Algumas outras experimentações de Davis ficaram famosas, como a sua performance de 1976, "Seven Thoughts", onde faz a primeira transmissão direta de satélite ao vivo para um canal de televisão. A performance aconteceu no Houston Astrodome (Astródomo, estádio para observação de estrelas). Abaixo seguem trechos de texto do próprio Davis Douglas, traduzidos do site Medienkunstnetz. Davis fala durante 30 minutos seus 'sete pensamentos' ('Seven Thoughts'), em frente a vários microfones, no telhado do enorme ginásio, sendo captado diretamente ao vivo pelo satélite.

"I was obsessed with using satellites.(...)I wanted to use it to broadcast very avantgarde, conceptual video that no one expected or desired. At that time, no artist had gotten his or her hands on any satellite.(..)When it was sure that the whole piece would take place in Houston, I thought of the Astrodome. At
that time, this was the largest roof stadium in the world. The link between the satellite and the dome was most important to me."

"Eu era obcecado por usar satélites. Eu queria usá-los para transmitir ao vivo um vídeo avant-garde, conceitual que ninguém esperaria ou desejaria. Naquela época, nenhum artista tinha posto as mães em um satélite. Quando ficou certo de que a performance seria em Houston, pensei no Astródomo. Naquela época, era o maior estádio coberto do gênero no mundo. A ligação entre o satélite e o telhado circular era o mais importante para mim."

Clique aqui para ler o texto na íntegra:

A outra exibição é o 9 Last Minutes, citada no início da matéria. Davis realizou uma experimentação artística feita em televisão ao vivo interativa com o espaço externo, exibida como primeira transmissão internacional via satélite do canal alemão Kassel, como parte do Documenta VI, em 24 de Junho de 1977. A performance de Davis é precedida por duas apresentações de 10 minutos cada, de Nam June Paik e Joseph Beuys. A performance de Davis leva o nome pelo fato do programa ter 29 minutos de duração, e a sua parte ter apenas 9 minutos, traduzindo assim "The 9 Last Minutes" para "Os Últimos 9 Minutos".

The Last Nine Minutes:

links relacionados:

http://netart2web.wordpress.com/2009/04/28/douglas-davis-worlds-first-collaborative-sentence/
http://www.medienkunstnetz.de/works/seven-thoughts/
http://en.wikipedia.org/wiki/Douglas_Davis_%28artist%29
http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte_eletr%C3%B4nica
http://1904.cc/timeline/tiki-index.php?page=Douglas+Davis

#Ciberartis: Fractal Art

2010-05-15T16:43:00.000-07:00

Antes de falar sobre Fractal Art de fato, vamos dar uma definição mais precisa e matemática do que é um fractal. O termo (oriundo do latim fractus - quebrado, ou frangere - quebrar) dado pelo matemático polonês Benoît Mandelbrot em 1975 designa formas geométricas que podem ser divididas em infinitas partes iguais à original, independente de escalas. Partindo de uma função matemática descoberta em 1872, que resulta num gráfico contínuo e não-diferenciável (ou seja, infinitas partes iguais), é possível ampliar a imagem fractal infinitamente e essa continuará mostrando a mesma ordem geométrica. Os fractais quebraram com a geometria euclidiana, que durante séculos foi considerada a que melhor expressava as formas do mundo como conhecemos. Como uma das formas geométricas não-Euclidianas, os fractais representam de forma mais precisa as formas da natureza, como árvores, montanhas ou um brócolis, como esse que vemos abaixo:

Geralmente, os fractais são processados em computador, devido aos cálculos matemáticos complexos. Existem quatro formas conhecidas de arte fractal, baseadas no tipo da função matemática envolvida para calcular o fractal. Os quatro tipos de fractal são largamente utilizados na animação digital. A partir de detalhes bidimensionais, é possível construir muita coisa a partir dos fractais, como simulação de formas da natureza e confecção de paisagens. Confira abaixo as quatro categorias de fractal utilizadas atualmente na Fractal Art:

A primeira delas marca o ponto inicial da Fractal Art, quando o matemático polonês Benoît Mandelbrot, utilizando-se da computação gráfica, descobriu um dos fractais mais conhecidos, no qual a função matemática aplica-se infinitamente de qualquer ponto do fractal, o conjunto de Mandelbrot. São também conhecidos como fractais de fuga do tempo:

(Conjunto de Mandelbrot)

A segunda é facilmente explicável pelo floco de neve de Koch, criada pelo matemático Helge von Koch em 1904. Basicamente, são triângulos adicionados infinitamente ao perímetro de um triângulo inicial, de forma que quanto mais triângulos são adicionados, o perímetro expande e se aproxima do infinito, criando o efeito do fractal.

(Floco de Neve de Koch)

Há os sistemas fractais interativos, que consistem em repetições de uma mesma figura em escala. O exemplo abaixo é o triângulo de Sierpinski, criado por Waclaw Sierpinski, matemático polonês:

(Triângulo de Sierpinski)

E finalmente, os fractais construídos a partir de processos aleatórios, ao invés de uma função determinada. Um dos seus exemplos é o denominado vôo de Lévy:

(Vôo de Lévy)

Confira Fractal Art no Deviantart!

Vídeo de 'Zoom Fractal', a partir do Conjunto de Mandelbrot:

links relacionados:

http://lucianacostadesign.files.wordpress.com/2008/11/fractal-jan19_1.jpg
http://www.rupert.id.au/fractals/images/Fractal_Broccoli.jpg
http://pt.wikipedia.org/wiki/Arte_fractal
http://pt.wikipedia.org/wiki/Fractal
http://classes.yale.edu/fractals/randfrac/Levy/Levy.html
http://www.deviantart.com/#catpath=digitalart/fractals&order=24
http://fractuspictures.blogspot.com/
http://www.orbispictus.com.br/?Arte:Arte_fractal
http://pt.wikipedia.org/wiki/Tri%C3%A2ngulo_de_Sierpinski

#Sustenido: Música na palma da mão

2010-05-04T14:09:00.000-07:00

É indiscutível o avanço tecnológico alcançado pelos produtos de Steve Jobs e sua Apple. Milhões de aplicativos garantem a interativadade dos iPods, iPhones, iPads e Macs. De receitas à guias turísticos, os "apps", como são conhecidos, trazem mais praticidade e organização ao cotidiano, além de um leque imenso de entretenimento.

Como não poderiam faltar, os apps musicais representam uma grande parte dos downloads. Totalmente inovadores, modificam a relação dos usuários com a música. Os que antes eram apenas ouvintes, agora têm a possibilidade de criar suas próprias músicas, contando com diversos programas de produção e edição musical. Existem também aplicativos de prática musical, como o iPhone/Ipod Touch Guitar - com o qual o aparelho reproduz uma guitarra - ou o Relative Pitch, para treinar os ouvidos a reconhecer os intervalos musicais.

Alguns outros aplicativos musicais, para os apreciadores:

Ocarina:

Noise.io:

iSyn:

#Ciberartis: Infografia

2010-05-04T09:58:00.000-07:00

Infográficos são quadros informativos que combinam fotografia, texto e ilustração para transmitir uma informação visualmente. Os gráficos são utilizados para dar mais dinamismo ás informações, como em mapas, no jornalismo e em manuais técnicos, educativos ou científicos. Em vez de simplesmente transmitir as informações os infográficos mostram a notícia como ela é, pois somente através de fotos ou textos ás vezes não é possível ver a noticia detalhadamente, por isso dão ênfase a detalhes mais relevantes e um forte apelo visual.

Acredita-se que os infográficos tenham suas raízes ainda na idade da pedra, quando os homens transmitiam, por meio de pinturas rupestres, informações sobre o seu cotidiano e cultura. Com o desenvolvimento tecnológico, através de novos programas de interface gráfica para a criação de sites, a infografia se tornou, definitivamente, uma maneira eficiente e dinâmica de tratar a informação.

Os infográficos são grande atrativo para a leitura das matérias, facilitam a compreensão do texto e oferecem uma noção mais rápida e clara dos sujeitos, do tempo e do espaço da notícia.

#Design: Tiago Hoisel

2010-04-26T18:06:00.000-07:00

Tiago Hoisel é um desses artistas prodígios que simplesmente surgem para impressionar com seus trabalhos. Hoisel nasceu em Salvador em 1984, mas atualmente mora em São Paulo, onde faz trabalhos publicitários, capas de revista (Mundo Estranho, Super Interessante) e principalmente caricaturas. Tiago tem uma maior "preferência" por desenhos em 2D, sua arte geralmente leva um ar de 'cartoon', dando uma aparência próxima aos desenhos animados da Pixar. A alta precisão em detalhes e as cores vivas dão aos seus desenhos uma impressão fantástica à primeira vista e uma confirmação da genialidade quando prestamos atenção nos desenhos.

Tiago já ganhou alguns prêmios na sua carreira, entre eles o 1º lugar no Salão Internacional de Humor do Piauí e no Salão Universitário de Humor de Piracicaba e menção honrosa pelo conjunto da obra no 13º Salão Internacional de Desenho para Imprensa. O artista formou-se em Desenho Industrial pela UNEB - Universidade do Estado da Bahia em 2007 e fez cursos em São Paulo na MELIES - Escola de Cinema e Animação 3D. Seguem abaixo alguns trabalhos feitos pelo Tiago!

Clique aqui para entrar no blog do Tiago Hoisel!

Campanha Publicitária feita para a AE Investimentos:

Algumas caricaturas:

Bruce Willis

Ronaldinho Gaúcho

Sr. Burns, do seriado 'Os Simpsons'

Barack Obama

Capas da MUNDO ESTRANHO:

Quando ainda morava em Salvador, Tiago fez alguns trabalhos para a TV Bahia, onde além de seus desenhos, fez alguns pequenos vídeos promocionais como esse, após a conquista do título do campeonato baiano pelo COLO-COLO:

Fontes:

http://hoisel.zip.net/
http://www.melies.com.br/
http://www.brazilcartoon.com.br/cartunistaDescricao.asp?idioma=ptb&cartID=303
http://tiagohoisel.cgsociety.org/gallery/565560/
http://obviousmag.org/archives/2010/03/as_caricaturas_de_tiago_hoisel.html
http://dementia.com.pt/tiago-hoisel-um-artista-talentoso/

De onde vem o terceiro D?

2010-04-20T08:56:00.000-07:00

Quem imagina hoje, com toda a recente euforia diante do cinema em 3D, que o primeiro filme produzido com o uso dessa tecnologia foi exibido ainda em 1952 nos Estados Unidos? Contando com as limitações da época, que faziam daquela tecnologia 3D ainda muito distante da que conhecemos agora, essa foi a primeira experiência em que o público teve a impressão de que as imagens vinham em sua direção. Mas como isso é possível? Como os técnicos e diretores conseguem esse “efeito”?

A verdade é que, literalmente falando, não existe essa terceira dimensão na imagem. O efeito 3D é resultado de uma técnica chamada estereoscopia. Trata-se basicamente da filmagem simultânea e através de ângulos diferentes de uma mesma cena.

A câmera estereoscópica é uma simulação dos olhos humanos. Conta com duas lentes, colocadas a aproximadamente 6cm uma da outra – distância média entre os olhos humanos – de forma que ambas capturam a cena, mas de ângulos diferentes. Apesar disso, o enquadramento deve ser exatamente o mesmo nas duas lentes, para que as duas imagens consigam ser sobrepostas depois.

Quando essas imagens são unidas na projeção – com as devidas correções de enquadramento feitas porsoftwares específicos em tempo real para evitar as oscilações – dão a impressão de estarmos vendo uma imagem tridimensional. Mas tecnicamente falando, o que vemos são duas imagens bidimensionais sobrepostas.

É importante destacar que o 3D não se resume às imagens “saindo da tela”. Os efeitos de profundidade de campo conseguidos com o uso da estereoscopia são uma vitória para o cinema.

Embora tão comemorada e comentada, a tecnologia 3D não é considerada pela maioria dos especialistas do campo, como uma reinvenção do cinema, como alguns entusiastas ousaram afirmar. Trata-se de uma revolução na técnica, que ampliou as possibilidades do sensível diante das telas. E essa tendência parece ter futuro nos cinemas e – por que não – em breve até mesmo nos aparelhos domésticos de TV.

#AnimaMundo: Vida de Inseto (A Bug's Life)

2010-04-19T17:13:00.001-07:00

O filme de 1998, Vida de Inseto(A Bug's Life), é o segundo longa-metragem de animação da parceria Pixar-Disney. Dirigido por um dos homens de frente da Pixar Studios, 'Vida de Inseto' leva a mesma estética de animação usada por John Lasseter em Toy Story, com ambientes coloridos, arredonados e com muitos detalhes. Assim como Toy Story, Vida de Inseto teve problemas com filmes concorrentes. FormiguinhaZ, dos estúdios DreamWorks, foi lançado cerca de um mês antes de 'Vida de Inseto', o que impediu que a crítica de forma geral e o público recebessem o filme com a importância única que teve para o mundo da animação. FormiguinhaZ trata também de conflitos dentro de um formigueiro, e tem uma formiga marginalizada como personagem principal. A maior distinção entre os dois filmes é o público que atingem, pois FormiguinhaZ não se propôs a ser um filme infantil, mas uma comédia para adultos(o personagem principal leva a voz de Woody Allen). 'Vida de Inseto' é um filme para crianças, que apesar de não surpreender pelo enredo, leva o mérito pelo trabalho exaustivo de John Lasseter e da direção de fotografia, e a perfeição da finalização feita pela Pixar.

'Vida de Inseto' tem também um jogo para Playstation e Nintendo 64, lançado nos anos de 1998 e 1999. Clique aqui para saber mais

A utilização de câmera subjetiva, colocando o espectador nos "olhos" da formiga, as ótimas cenas de ação, os personagens e objetos diversos dão a Vida de Inseto a garantia de uma experiência visual espetacular. O filme conta também com uma animação de erros de gravação do filme, que aparecem como surpresa nos créditos finais do filme.

Erros de gravação

Trailer

links relacionados:

http://www.adorocinema.com/filmes/vida-de-inseto/imagens/1245109241_vidadeinsetoposter08
http://www.cinematotal.com/filmes_details_main.asp?id=7900
http://www.cineplayers.com/filme.php?id=488
http://pt.wikipedia.org/wiki/A_Bug's_Life
http://www.cinereporter.com.br/dvd/vida-de-inseto/
http://pt.wikipedia.org/wiki/John_Lasseter

3x3

2010-04-11T19:19:00.000-07:00

(Imagem: Cerriteño)

Uma chamada para diretores de arte, editores, autores, designers e ilustradores:

até o dia 16 de abril, essa sexta-feira agora, estão abertas as incrições para o 3x3 - Concurso Internacional de Ilustração.
Para quem não sabe, a 3x3 é uma revista de design distribuída em todo mundo, com apenas três publicações ao ano. Uma boa oportunidade para ter o seu trabalho difundido por aí e em uma revista de nome.
Para se inscrever, veja as informações aqui. O site é todo em inglês.

#Video: Pixels, de Patrick Jean

2010-04-11T19:08:00.000-07:00

Pixels é, basicamente, um curta com algumas referências a jogos de vídeo game (Tetris, Donkey Kong e Pac-Man, dentre outros) que mostra a cidade de Nova York sendo invadida por seres em 8-bits. Após a invasão, a cidade se torna pixelizada e depois o mundo se transforma num quadrado. Além de ser um vídeo muito criativo e ser tecnicamente bem produzido, penso que a transformação da cidade de Nova York e, posteriormente, do mundo, em uma imagem digital, pode ser mais que uma brincadeira de Jean. Analisando rasteiramente, é uma forma de dizer que a vida do homem contemporâneo foi invadida por coisas digitais, fluxos virtuais e que as novas tecnologias são determinantes na vida desse homem. Sim, Jean, concordo com você: o mundo é digital. Acho que precisamos aprender a lidar com essas tecnologias, pensar que tipo de relação queremos ter com esse mundo digital que criamos e adotar uma posição mais crítica em relação a esse boom das novas tecnologias.

#Sustenido: A "audiorevolução" do Home Studio

2010-04-07T17:55:00.000-07:00

Foram-se os dias em que apenas músicos profissionais e grandes gravadoras eram os responsáveis pela produção e difusão dos produtos fonográficos. A revolução do Home Studio trouxe essa possibilidade para qualquer amante de música. Com algum investimento e habilidade em softwares de aúdio, hoje, é possível se gravar um álbum de ótima qualidade.

Home Studios são um dos principais responsáveis pelo aumento do surgimento de bandas e da, consequente, pluralidade musical contemporânea. Montados em quartos de apartamentos, "puxadinhos" e garagens, capacitam o músico a gravar e produzir.

Para construir um home studio, alguns passos devem ser seguidos. Primeiro é preciso um bom computador - com um rápido processador, para que o software não trave. Depois uma placa de áudio. É preciso estar atento às próprias necessidades: não há necessidade de comprar uma placa com 24 entradas para pequenas gravações. Para se fazer a conexão placa de áudio/computador, é fundamental uma interface MIDI. Os interessados em criação musical digital devem investir em um sintetizador, que além de interface, é também um teclado, onde pode-se reproduzir sons de instrumentos, além de se desevolver novas possibilidades sonoras. Serão necessários também dois monitores - caixas de som desenvolvidas para a atividade de monitorar - que darão a referência do que está sendo produzido. Serão necessários também uma mesa de mixagem, para misturar e direcionar os sinais de áudio de todos os instrumentos e equipamentos do estúdio.

Por último, mas não menos importante, os microfones. Existem, basicamente, dois tipos: o condensador e o dinâmico. Para gravar vozes e instrumentos acústicos, a melhor pedida é o condensador, já que é mais sensível ao ambiente. Também por essa razão ele é desaconselhado aos instrumentos elétricos e baterias - existe um limite de pressão máxima do microfone e o dinâmico é o mais indicado para trabalhar com ele.

Se interessou?
Veja mais dicas para montar um home studio.

Outros links: http://www.music-center.com.br/estudiodig01.htm

Veja - Eu Digital

#Design: Hans Donner, Criação Gráfica e a Rede Globo

2010-04-04T13:37:00.001-07:00

Hans Donner nasceu em 31 de julho de 1948 na cidade de Wuppertal, Alemanha. Se formou na Hohere Graphische Bundeslehr-und-Versuchsanstalt, em Viena, uma das escolas de Design mais famosas da Europa.
Após se formar, a perspectiva de uma carreira promissora abriu-se na sua frente. Porém, por considerar que vivendo em Viena não poderia "voar mais alto", decidiu explorar novas possibilidades e aos 25 anos, mudou-se para o Brasil, para o Rio de Janeiro.
Após incessantes tentativas fracassadas de conseguir emprego, Donner foi convidado para trabalhar na Rede Globo. Um de seus primeiros trabalhos na Rede Globo foi, nada mais nada menos do que a criação do logotipo da emissora.
A nova identidade visual foi muito bem aceita, e Donner, então, deu o primeiro passo em direção ao que constituiu uma verdadeira revolução nos projetos de animação da TV: seu design tridimensional - inédito, até então.

Acredita-se que Hans Donner seja o precursor da Arte Digital no Brasil. O toque mágico de suas idéias tornou-o popularíssimo.
Donner é o responsável pelas vinhetas e peças de abertura de muitos dos programas da Rede Globo. Exemplos de seu trabalho são as aberturas dos programas Viva o Gordo, TV Colosso, TV Xuxa, TV Pirata, Zorra Total, Fantástico, Sai de Baixo, Minha Nada Mole Vida, Xuxa Park, e abertura de telenovelas como Caminho das Índias, Senhora do Destino, América, Belíssima, Eterna Magia, Selva de Pedra, Beleza Pura entre muitos outros. Suas vinhetas, logos e aberturas de programas são visualizados em mais de 50 milhões de lares brasileiros diariamente.

Para se ter uma idéia do sucesso e da popularidade que Hans Donner alcançou, a Galeria Mecanorma, de Paris, organizou uma exposição com seus trabalhos, e o resultado foi um sucesso absoluto. A exposição foi levada a Londres, Edimburgo e São Paulo, sempre atraindo multidões.
Os trabalhos de Hans Donner não se reduzem somente á televisão. Com seu talento ele já trabalhou em diversas outras áreas, criando elementos que vão da moda á arquitetura.
O produto favorito de Hans Donner é um relógio totalmente diferente de qualquer outro, o Time Dimension. No relógio, os ponteiros são substituidos por discos. Uma idéia extravagante. O relógio se tornou um fenômeno mundialmente famoso, virando inclusive um gadget do Windows Vista.

Em comemoração dos 500 anos do descobrimento do Brasil, Hans Donner criou um relógio de torre especial, onde o mostrador do relógio exibe o mapa do Brasil, o ponteiro dos segundos aponta para Brasilia. O relógio, além do Rio de Janeiro, foi construído também nas outras capitais brasileiras. Ele mostrava uma contagem regressiva até o dia em que o Brasil completaria 500 anos.
Hans Donner sempre seguiu a evolução da computação gráfica e dos efeitos especiais, participando indiretamente inclusive da fundação da famosa empresa hollywoodiana PDI - Pacific Data Imaging -, uma companhia pioneira em imagens por computador, onde ele utilizou a tecnologia que posteriormente foi usada pela mesma companhia, para fazer os efeitos do filme "O Exterminador do Futuro", estrelado por Arnold Schwarzenegger.

Além do Time Dimension, o design de móveis constitui mais um desafio de Hans Donner. Seus móveis pretendiam ser originais e confortáveis.
A exploração da terceira dimensão é um traço permanente do design de Hans Donner, particularmente do design de logotipos como o da Globo e o da Fundação Roberto Marinho, entre outros.
Por ser um designer polivalente, Hans Donner é convidado com frequência por todo tipo de instituição para criar seus logotipos.
Uma das fixações de Hans Donner é remodelar a bandeira do Brasil. Ele considera a bandeira do Brasil errada, pois a faixa de "Ordem e Progresso" aponta para baixo, além disso, na sua opinião o slogan da bandeira deveria ser "Amor, Ordem e Progresso".

#Ciberartis: Pixel Art

2010-03-30T19:36:00.000-07:00

Pixel Art consiste basicamente em desenhos feitos pixel por pixel. Um pixel corresponde a um pequeno quadrado feito no Microsoft Paint com a ferramenta do lápis por exemplo, de onde é possível construir um mapa de pixels que formem um desenho, pintando quadradinho por quadradinho. A técnica é utilizada para fazer emoticons e ícones do Windows, mas acabou espalhando-se, atualmente sendo utilizada como arte digital, e famosa pelos jogos online. No Habbo Hotel, jogo online criado pelos finlandeses Sampo Karjalainen e Aapo Kyrölä todo construído em pixel art, a partir de um avatar criado pode-se caminhar pelo "hotel" e conversar com outros avatares, de diversas idades e do mundo inteiro. O jogo concentra-se na faixa de 13 a 18 anos, mas há pessoas de todas as idades no Habbo Hotel (pronuncia-se em inglês "rêibo"). Atualmente 31 países contam com pelo menos um "hotel", 162 milhões de usuários fazem parte da comunidade e 16,5 milhões visitam o Habbo todo dia. A criação de sistemas de crédito, de empregados que trabalham diariamente como moderadores internos do jogo, espaços públicos e jogos coletivos internos(veja as fotos abaixo), garantiram o sucesso do jogo entre os jovens.

(Battle Ball, jogo coletivo do Habbo Hotel)

(Snowstorm)

(Wobble Squabble)

(Mergulho)

Registre-se no Habbo Hotel clicando aqui!

O interessante da pixel art é a sua proximidade com o público. Não é necessário nem mesmo internet para criar em pixel art, e qualquer computador básico tem MS Paint, qualquer pessoa pode desenhar, claro que com um pouco de dedicação. Há atualmente tutoriais online muito interessantes, que ensinam como desenhar em pixel art, dos mais básicos(de fóruns onde pessoas postam dicas e tutoriais pequenos), até os mais profissionais, como tutoriais e-books pagos. Seguem alguns links legais de tutoriais:

http://www.gamemakerbrasil.com/tutoriais-f17/tutorial-pixel-art-i-basico-t561.htm(português)
http://www.natomic.com/hosted/marks/mpat/(inglês)
http://www.pixeljoint.com/pixels/tutorials.asp(inglês)

Alguns vídeo-tutoriais:

links relacionados:

http://www.habbo.com.br
http://www.natomic.com
http://www.pixeljoint.com
http://pt.wikipedia.org
http://www.rhysd.com
http://utenti.multimania.it
http://www.zhoog.com
http://www.freewebs.com
http://www.gamemakerbrasil.com
http://www.indiegoat.com
http://www.lovepixel.com
http://neosite.ilogic.com.br
http://www.tnf.mu

#Puppetmaster: God of War III

2010-03-24T11:17:00.000-07:00

O último jogo da trilogia God of War, produzido pela Sony e desenvolvido pelo Santa Monica Studio, teve seu lançamento no Brasil no último dia 20. O primeiro jogo, que foi lançado em 2005 para Playstation II, obteve grande sucesso no mundo inteiro, tendo influenciado toda a geração fanática por videogames. O game ganha pelo visual gráfico muito bem feito, uso de escalas e trama bem trabalhada. God of War conta a história de Kratos, general Espartano que após ganhar reputação pelas diversas vitórias incríveis que obteve em batalha, faz um pacto de servidão com Ares, o deus grego da guerra. Ensandecido pelos poderes que recebeu de Ares, Kratos promove um banho de sangue em Atenas, onde mata sem saber sua própria mulher e filha. Após ser amaldiçoado pelo oráculo de Atenas e por Ares, Kratos jura vingança, morre, ressuscita e mata Ares, tomando seu lugar como Deus da Guerra. Em God of War II, Kratos já se encontra no Olimpo, e dessa vez pretende destruir o próprio Zeus, com a ajuda dos titãs. God of War combina poderes e armas diversas, cenários complexos e muito bem produzidos, baús e prêmios escondidos em paredes e portas falsas, ciclopes, minotauros, hidras, centauros e outras criaturas lendárias, enfim, todos os elementos que formam um bom jogo de ação. Resta a quem comprou o Playstation 3 e o jogo saber como termina a história de God of War III, último jogo da trilogia.

Trailer God of War III

Cenas do jogo (Gameplay)

Site Oficial God of War

#AnimaMundo: A Controvérsia

2010-03-23T10:40:00.000-07:00

Como em qualquer novo campo teórico que surge na sociedade humana, há sempre o questionamento sobre o autor ou obra pioneira. Com a arte digital, e mais especificamente nesse caso a animação, não é diferente. Apesar do uso de programas de computador para criação de efeitos especiais já exista há algum tempo, em filmes como Exterminador do Futuro ou Jurassic Park, o primeiro longa-metragem da história totalmente feito por computação gráfica só veio surgir em 1995. 'Toy Story', filme dos estúdios Pixar e lançado pela Walt Disney e Buena Vista Distribution, foi o primeiro longa-metragem a ser lançado nos cinemas que usava computação gráfica em todo o filme. No entanto, a produção brasileira 'Cassiopéia', do animador Clóvis Vieira, gera controvérsias na autoria do feito. O filme foi lançado em 1 de abril de 1996, depois de Toy Story, mas os animadores brasileiros defendem a autoria do primeiro longa a 'Cassiopéia', devido à utilização de modelos de argila anteriores ao processo de digitalização em 'Toy Story', e à dificuldade em veicular o filme nas próprias redes de cinema do Brasil. Houveram problemas também durante a renderização do filme, nos últimos meses da produção os computadores foram roubados, o que atrasou o lançamento do filme. Basicamente, o alto investimento em marketing, somada ao domínio total da Disney sobre as distribuidoras e á propaganda do primeiro filme feito totalmente em CGI (Computação Gráfica) deram à equipe de 'Toy Story' o título de pioneiros.

Toy Story foi o primeiro longa-metragem produzido e concluído pela Pixar Studios, e a primeira parceria com a Disney. O filme foi digitalizado em Polhemus 3D, e arrecadou 191.796.000 dólares nos Estados Unidos, tendo sido a maior bilheteria de 1995. Considerado um dos grandes filmes da Pixar, 'Toy Story' chama a atenção pelo bom enredo e por ser capaz de atrair não apenas crianças, mas adolescentes e adultos. Toy Story recebeu três indicações ao Oscar: Melhor Trilha Sonora em Comédia, Melhor Roteiro Original e Melhor Canção ("Amigo Estou aqui"). Também recebeu duas indicações ao Globo de Ouro: Melhor Filme em Comédia e Melhor Canção ("Amigo Estou Aqui"). O filme teve duas sequências, que ainda trataremos separadamente em outro post.

Cassiopéia foi produzido com uma equipe de 3 diretores de animação e 11 animadores, trabalhando em 17 microcomputadores. O Topas animator, software utilizado para digitalização do filme, já era obsoleto na época em que o longa foi produzido. Diferentemente dos moldes de argila feitos em Toy Story, os personagens, ambientes e objetos em Cassiopéia foram totalmente feitos a partir de figuras geométricas básicas, como esferas, cubos e cilindros. Cassiopéia foi o primeiro filme a demonstrar a possibilidade de se criar uma linguagem e um método que funcione para criação de longa-metragens de animação.

Site Oficial de Toy Story

Trailer Toy Story

Site Oficial de Cassiopéia

Making of Cassiopéia

#Sustenido: Aphex Twin, o novo nome da música contemporânea

2010-03-22T18:07:00.000-07:00

Richard David James, conhecido no emergente cenário eletrônico mundial como: Aphex Twin. Considerado pelo jornal inglês The Guardian como "a mais influente e criativa figura da música eletrônica contemporânea", o irlandês de 38 anos tem o seu trabalho marcado por um traço intimista e pela originalidade da textura dos sons que cria.

O DJ e produtor de música eletrônica se destaca por suas inovações. Além de ser um dos primeiros músicos a utilizar computadores para compor suas músicas, ele cria seus próprios sintetizadores - dando originalidade ao seu som - e modifica softwares já existentes.

Tendo 7 álbuns e mais de 8 EP's e compactos, um dos seus primeiros trablhos é o disco "Analogue Bubblebath III", cujas faixas são tituladas por números decimais. Seu disco mais aclamado, talvez seja o seu terceiro álbum, o "Selected Ambient Works 85-92".

Richard David James ou Aphex Twin, também pode ser chamado de AFX, Bradley Strider, Caustic Window, Gak, Polygon Window, Power Pill e Q-Chastic.

"Donkey Rhubharb"(1995)

"Come to daddy" (1997)

Duas músicas selecionadas de seu "Selected Ambient Works 85-92":
Heliosphan - Faixa 7
We are the music makers - Faixa 8

#Design: Festival de Chaumont

2010-03-21T13:38:00.000-07:00

(cartaz vencedor na última edição do Festival)

As inscrições para o Festival de Chaumont estão abertas! Estudantes e profissionais podem participar, com condições específicas para cada um:
Os estudantes podem enviar seus trabalhos até 2 de abril, com o tema “Grafismo, o que é isso?”. Os melhores cartazes serão expostos durante o festival, que acontece de 29 de maio a 20 de junho, e o criador do melhor trabalho recebe um prêmio de € 1.000,00. Agora só resta preencher o formulário de inscrição! Lá estão todas as informações necessárias para envio.
Profissionais de design tem até 8 de abril para enviar seus cartazes. Os trabalhos enviados devem ter sido produzidos para clientes e para registrá-los é preciso se cadastrar no site do evento, enviar uma carta de aceite das condições com os trabalhos originais e a documentação do projeto em CD/DVD. Os três melhores enviados recebem os prêmios de € 7.500, € 4.500,00 e € 3 mil.

História do Festival
Em meados de 1900, o político francês Gustave Dutailly deixou sua coleção de cartazes e impressos para a cidade de Chaumont. 80 anos depois essa herança foi redescoberta: um legado com quase 5000 exemplares, que mostram o começo das artes gráficas na Europa. Na mesma época foi formalizado o Museu de Livros e Cartazes, e o projeto do Festival Internacional de Pôsteres começou a tomar forma. Hoje o Festival é um panorama do que está sendo produzido na área de comunicação visual.

Introdução ao Ciberartis

2010-03-17T09:56:00.001-07:00

"O desenvolvimento da infra-estrutura técnica do ciberespaço abre a perspectiva de uma interconexão de todos os mundos virtuais. A reunião progressiva dos textos digitalizados do planeta em um único hipertexto é apenas o prelúdio de uma interconexão mais geral, que unirá o conjunto das informações digitalizadas, com destaque para os filmes e os ambientes tridimensionais interativos. Assim, a rede dará acesso a um gigantesco metamundo virtual heterogêneo que acolherá o fervilhamento dos mundos virtuais particulares com seus links dinâmicos, as passagens que os conectarão como poços, corredores ou tocas da wonderland digital. Esse metamundo virtual ou ciberespaço irá se tornar o principal laço de comunicação, de transações econômicas, de aprendizagem e de diversão das sociedades humanas. Também é lá que experimentaremos a beleza que repousa na memória das antigas culturas, assim como aquela que nascerá das formas próprias da cibercultura." (LÉVY, Pierre. Cibercultura, 1999)

"Apresentações online dedicadas à contribuição da ciberarte, ou arte digital feita com experimentações na Internet. Evoluindo de "arte computadorizada" para "arte digital", de "arte pós-moderna" até finalmente "Ciberarte", a intenção é criar arte que amplie a cultura, estabelecendo uma arte própria da cibercultura global, começando assim uma nova história da arte, derivada da internet." - Rodney Chang

Esse blog pretende abordar o conceito de ciberarte e as diferentes perspectivas de arte digital, desenvolvidas pelos teóricos academicos e pelos próprios usuários da rede. O primeiro trecho é do filósofo francês Pierre Lévy, que além de estudioso do ciberespaço, é expert em concepção de sistemas de informação inteligentes. Em suas palavras, "A Internet é um instrumento de desenvolvimento social. Devemos lembrar que a escrita demorou pelo menos 3000 anos para atingir o atual estágio, no qual todos sabem ler e escrever. A Internet tem apenas 10 anos". Sua teoria dita uma ampliação geral do ciberespaço para todos os níveis, e criação de uma inteligência coletiva, que abrange desde perspectivas econômicas e aprendizagem até a utilização do metamundo digital por lazer ou para a arte, sendo o caso da ciberarte. O segundo trecho é do hawaiiano Rodney Chang, dentista, escritor, psicólogo, artista, corredor de maratonas e estudioso de arte digital nascido no Honolulu, em 1945. Chang fala na ciberarte como um conceito baseado na arte derivada da internet, a partir de um arquivamento de obras feitas tanto em plataforma digital para dentro da internet quanto feitas online para expressar-se livremente na sociedade. Chang foi a primeira pessoa a fazer uma exibição digital no Hawaii e na China, e foi também o criador do primeiro museu de arte virtual, em 1997, o (Truly Web Art Museum), que já recebeu até hoje mais de 1 milhão e 200 mil visitantes. Pretendemos, portanto, além de discutir a ciberarte amplamente na rede, criar um arquivo de design gráfico, críticas de filmes que utilizem-se da plataforma digital, música eletronica e música que utilize equipamento digital.

O tema da ciberarte deve ser discutido e formulado, para que o conceito possa crescer e firmar-se na rede. A nossa forma de lidar com a ciberarte nao pretende ser imperativa, mas aberta a qualquer tipo de sugestão. Dessa forma, é importante observar a teoria de cyber-cultura-remix do sociólogo André Lemos, onde fala do fim do conceito da autoria e da reformulaçao da cultura como um todo a partir do ciberespaço. “Agora o lema da cibercultura é “a informação quer ser livre”. E ela não pode ser considerada uma commoditie como laranjas ou bananas.(...) O princípio que rege a cibercultura é a “re-mixagem”, conjunto de práticas sociais e comunicacionais de combinações, colagens, cut-up de informação a partir das tecnologias digitais. Esse processo de “re-mixagem” começa com o pós-modernismo, ganha contorno planetários com a globalização e atinge seu apogeu com as novas mídias(Manovich).As novas tecnologias de informação e comunicação alteram os processos de comunicação, de produção, de criação e de circulação de bens e serviços nesse início de século XXI trazendo uma nova configuração cultural que chamaremos aqui de “ciber-cultura-remix”.” href="http://www.facom.ufba.br/ciberpesquisa/andrelemos/remix.pdf">(LEMOS, André. Cyber-cultura-remix, 2006.).

Esse blog é produto da matéria Comunicação e Tecnologia da Faculdade de Comunicação - Universidade Federal da Bahia.

links relacionados:
http://www.lastplace.com/index97-02.html
http://andrelemos.info/2009/01/blogscom.html
http://www.facom.ufba.br/ciberpesquisa/andrelemos/remix.pdf
http://www.scribd.com/doc/11036046/Cibercultura-Pierre-Levy
http://www.crmariocovas.sp.gov.br/esp_a.php?t=001